Jeg er Ruben Scott, filmskaper og regissør som jobber på tvers av narrative filmer og kommersielle produksjoner.

For mitt siste prosjekt, «Different, but same», ønsket jeg å utforske ideen at selv om vi alle er forskjellige, er det alltid ting som knytter oss sammen: felles interesser, hobbyer og små ting til felles som du vanligvis aldri ville anta. Denne ideen var det egentlige utgangspunktet for dette prosjektet.“”

Fra begynnelsen av forsto jeg at dette kom til å bli et ganske komplekst opptak. Det var mange skuespillere og et ganske stort crew. Fra min erfaring betyr den typen oppsett at du hele tiden balanserer resultater, tid og rom samtidig.

Historien er lagt til et venterom under en studie der folk blir matchet basert på felles interesser, men de finner først ut hvem de blir paret med på dagen. Det oppsettet ga oss god plass til å jobbe med usikkerhet og forventninger. Dette betydde at vi kunne holde ting enkelt da det gjaldt historiefortelling og la publikum finne sammenhengen.

Vi holdt kameraets bevegelser ganske minimale hele veien. Det meste er observasjonsbasert. Det var forsiktige dolly-bevegelser og små endringer i komposisjonen da vi trengte dem, men ingenting som føles som om det trekker oppmerksomhet til seg selv. Tanken var alltid å fokusere på forestillingene og la dem lede alt. Fordi det ikke er noen dialog i filmen, var prestasjonene spesielt viktige.

Stedet spilte også en stor rolle i å forme hvordan alt så ut og føltes. Vi filmet i et musikkstudio som allerede hadde mye karakter. Det hadde varme trepaneler, oransje toner og et litt nostalgisk preg. Det var ikke bare fire hvite vegger, hvilket virkelig var til stor hjelp. I stedet for å prøve å bygge venterommet fra grunnen av, kunne vi basere oss på det som allerede var der.

Det bidro naturlig nok til hvordan vi tilnærmet oss belysning. Vi brukte en stor, myk kilde ovenfra, for å gi oss ensartethet og la oss flytte FX5 rundt raskt. Deretter introduserte vi praktiske lamper i rommet for å tilføre varme og dybde. Målet var å holde alt mykt og naturlig samtidig som det ga nok kontrast til å forme ansikter og lede øyet mot hovedpersonen i sentrum.

Fordi vi jobbet med en blanding av praktiske lys i bildet og mørkere hjørner i rommet, ble de over 15 stoppene med dynamisk omfang veldig viktig for oss. Det var mange ganger varme lamper var synlige i bildet, mens vi fortsatt trengte å holde detaljene i områdene rundt. FX5s grunnleggende ISO-alternativer var også til stor hjelp her. Med dette kameraet følte vi ikke at vi hele tiden måtte beskytte høylys eller ofre skyggedetaljer til støy.

Kombinasjonen av den nye stablede 16,6 MP-sensoren og Arles Prime-objektivene, gjorde også en fantastisk jobb med å fange nærbilde-detaljene til rollebesetningen. Hudteksturene og teksturene i kostymene føltes utrolig naturlige.

Farger var noe vi var ganske bevisste på fra starten. Vi ønsket en palett som føltes levende og litt inspirert av 1970-tallet, men som fortsatt var moderne. Dette skulle bli en god test for kameraet. Mye av dette kom fra valg av garderobe og produksjonsdesign, men måten kameraet fanget disse fargene på var akkurat det vi lette etter.

Hudtoner var spesielt viktige fordi vi hadde en veldig mangfoldig rollebesetning, alle under de samme lysforholdene. Vi trengte at alt skulle sitte sammen på en sammenhengende måte. Det jeg la merke til var hvor stabile og naturlige hudtonene føltes på tvers av forskjellige oppsett. Det er noe jeg også har opplevd når jeg har jobbet med Sony Venice og Burano. Det er en velkjent kvalitet i fargene og høylysene på tvers av disse systemene, og dette kameraet føles som om det har disse kvalitetene, bare i et mindre og mer fleksibelt hus.

Vi valgte å filme internt i 16-bit X-OCN fordi vi visste at vi ville ha total fleksibilitet når vi kom i gang med postproduksjon. Det var øyeblikk der vi presset farger litt eller justerte eksponeringen i noen deler av bildet, og bildene holdt veldig godt sammen. Ingenting føltes som om det gikk i oppløsning eller ble ustabilt. Selv når du jobbet på tvers av forskjellige lysforhold, forble hudtonene konsistente. Dette hjalp oss ved graderingen.

Fra et arbeidsflytsynspunkt jobbet vi med et mellomstort mannskap over én dag, så det var viktig å jobbe raskt. Det som skilte seg ut, var hvor enkelt kameraet passet inn i rytmen av tidsplanen for fotografering. Det bremset ingenting, og det krevde ikke at vi tenkte nytt om hvordan vi jobbet.

Etter å ha jobbet med Venezia og Burano før, var jeg også interessert i hvordan dette passer inn i den større CineAlta-verdenen. Dette kameraet føles ikke separat eller som en annen gren; det føles som en del av samme familie, bare tilpasset en mer smidig type produksjon. Selv meny-strukturen og den generelle betjeningen føles kjent, noe som virkelig hjelper når du beveger deg mellom forskjellige Sony-kameraer på tvers av prosjekter.

For meg fungerte FX5 fordi det ga oss så mye frihet: frihet til å fange det vi ville uten kompromisser, frihet til å leke med bildet i etterkant og frihet til å holde fokus på historien i stedet for utstyret eller tekniske problemer. Det er egentlig det jeg ser etter i et kamera.